Cursos & conselhos





"Como faço para ser publicado?


A autora/ilustradora Shadra Strikcland  publicou esta resposta  em seu blog
[ Ela  recebe sempre perguntas deste tipo ]

"Hey Shadra! Espero que você esteja bem. Eu escrevi um livro há alguns e gostaria que ele fosse publicado. Por acaso você possui contatos que poderia me indicar ou conselhos para me dar?"

"Se você estiver interessado em publicar livros para crianças e está procurando contatos, o livro que você precisa para começar é the Children’s Writers and Illustrators Market Book. Este livro mostra grande parte dos editores de livros para crianças. Também é cheio de depoimentos e conselhos de autores já publicados na area.

O mercado infantil não é certamente fácil de entrar. Tem que ter a pele grossa, muita paciência e perseverança para ter acesso a área. Mesmo depois de publicar o seu primeiro livro, você terá que trabalhar duro para ver esse livro sobreviver. Como os livros  têm que competir com a televisão, filmes e jogos de vídeo, um autor deve estar preparado para fazer um monte de trabalho duro para se certificar que seu livro permanecerá em impressão.
Algumas pessoas têm um manuscrito que escreveu anos atrás e só está interessado em publicar esta história. Isso geralmente é um beco sem saída. Na pós-graduação, escrevi e ilustrei projetos para dois picturebooks[ livro-album ]. Enviei- os   para vários editores, alguns me deram um  bom feedback, mas não me ofereceram contrato  para nenhum deles. Eu revisei  e gueardei estes projetos. Nesse meio tempo, eu continuava a trabalhar na minha ilustração e a me divertir com muitas idéias novas. Como minha carreira  na ilustração cresceu e ganhou mais visibilidade, o meu agente continuou a apresentar meus manuscritos de "picturebook " enquanto eu trabalhava em meus outros projetos.
Este ano, foi-me oferecido um contrato para um manuscrito que escrevi em 2010.. A maioria dos escritores   têm toneladas de histórias em seus arquivos e uma pilha de cartas de rejeição   ... especialmente nos primeiros anos de suas carreiras. Eles também dirão que sucesso é de cerca de 20% de talento, 
70% de trabalho duro e 10% sorte.
Ler uma tonelada de kidlit [ livros infantis ]também é uma ótima maneira de se tornar um escritor melhor. Leia livros em voz alta. Realmente ouça como a história soa. Preste atenção à forma como as palavras e imagens trabalham juntos. Mantenha-se atualizado sobre as últimas tendências e sucessos na área lendo opiniões da indústria e artigos. Há também uma tonelada de recursos na web  de autores, ilustradores, amantes de livros e especialistas em literatura como Seven Impossible Things Before Breakfast, A Fuse 8 Production, The Brown Bookshelf, etc."

"Também recebo esta pergunta com bastante regularidade:
Oi Shadra, eu escrevi recentemente um picturebook e estou precisando de um ilustrador. Você está disponível? Se não, onde devo procurar?


Ilustrar um livro leva entre 6 meses a um ano para a maioria dos artistas. Adiantamento em  Ilustração normalmente começam entre US $ 10.000 e US $ 15.000 mesmo, mas pode ser ainda mais. Não se espera que um escritor  contrate seu próprio ilustrador. Quando uma editora decide publicar o seu manuscrito eles vao escolher   o ilustrador .
Alguns vão decidir por auto-publicação. Neste caso, sim, você vai procurar  seu próprio ilustrador. A Sociedade de Escritores e Ilustradores de livros infantis (SCBWI) é um ótimo recurso para isso. Você também pode procurar em escolas de arte  ou universidade ,por  alunos que queiram    aprimorar suas habilidades e estão dispostos a trabalhar com o seu orçamento. SCBWI também é um ótimo lugar para encontrar outros autores e grupos de escritores que podem oferecer feedback construtivo e crítica útil até que vc que esteja pronto para enviar seu manuscrito para editores e agentes.
Então, é isso!
LEIA, LEIA, LEIA!
ESCREVA, ESCREVA,ESCREVA!
Não desista.
Boa sorte! "

 Do  blog de Shadra Strickland 












" Os 7 passos para ter seu trabalho publicado " texto  da super criativa e divertida Keri Smith , e + dicas para ilustradores iniciantes :

Seven Steps to Getting Published - Keri Smith


Nas minhas pesquisas sobre o mundo dos livros  eu ficava emocionada quando lia um título como esse acima. Era como se o autor estivesse prestes a revelar-me o truque mágico que eu precisava saber para desvendar o mistério, a única coisa, que iria definir a minha carreira no momento. Eu imaginava que seria algo muito simples, algo que eu poderia fazer no espaço de uma semana. Acho que no começo eu estava mais apaixonada pela a idéia de ter um trabalho publicado do que com o processo para alcançar este objetivo. Isso não é necessariamente uma coisa ruim, afinal quem não ficaria? É uma experiência emocionante, raramente experimentei a alegria que senti quando recebi uma carta de aceitação no correio. Mas o que eu aprendi, entretanto, é que você realmente tem que AMAR este ofício.
Ter seu trabalho publicado é um desfecho emocionante de um esforço criativo, mas não deve ser o motivo para a criação. Ultimamente eu tenho sido abordada para dar algumas dicas sobre como ser publicado. Depois de muito procrastinar escrevi alguns dos meus pensamentos sobre o tema. Mas eu achei oportuno também falar brevemente sobre o processo de criação, o desenvolvimento das idéias e como trazê-las para o mundo. 

Como acontece com qualquer conselho que eu só posso dizer que funcionou para mim, algumas pessoas podem ter uma abordagem diferente. Acho que realmente me ajuda a ler sobre o processo de criação, o processo de promover seu trabalho é extremamente importante, mas bastante simples (você só precisa fazer isso algumas vezes para aprender) ... 

1. Deixe sua idéia é ter vida própria. Isto soa um pouco estranho, mas o que quero dizer com isto é, uma vez que você tem a idéia na cabeça, não tente controlá-la demais. Deixe-a dizer a forma que deve tomar. Realmente ajuda neste momento sair para uma caminhada longa e apenas ouvir (podem ser vários longas caminhadas). Deixar as palavras e imagens evoluirem. Com o meu livro mais recente levou mais de um ano para saber qual a forma que teria no final, o conceito. Eu tinha idéias para conteúdo e havia começado a escrever, mas não o formato geral para amarrá-lo todos juntos. Não me preocupei muito sobre isso, mas deixe-o "ser" por um tempo. Um dia, ao ler um livro sobre "intuição nos negócios", um conceito surgiu na minha cabeça. Este conceito foi "brincar", e amarrou o livro inteiro e se tornou o meu foco a partir desse momento. 

2. Se você  Realmente gostar de si mesmo e do processo de criação, o trabalho irá fluir *. As pessoas respondem mais para as coisas que fazemos com paixão, (em oposição as coisas que você faz com esforço ou forçadamente). Não se preocupe com o que  vende, ou o que está na moda no momento , ou seu mercado alvo, ou o que um membro da família recomenda. Seja honesto consigo mesmo e com o processo. 

3. Faça um prototipo. Eu fiz uma maquete do livro em sua totalidade, embalados em uma caixa com palha, quando abria, voce via como funcionava. Isso mostra o espectador exatamente o que você tem em mente, sem que tenham de imagina-lo. Opostamente, se você explicar uma coisa, eles não vão ver exatamente o que você está pensando. 


(Essa sugestão é adequado para pessoas que desejam escrever e ilustrar. Eu não recomendo pedir p/ alguém ilustrar um livro antes de enviar para uma editora- como já foi dito por muitos editores - isso vai prejudicar suas chances de conseguir publica- lo. Faça isso -ilustrar e escrever -se você pode executá-lo de uma forma atraente.) 

4. pesquise e dirija seu produto para os editores adequados. Isso é extremamente importante, pesquise seus catálogos recentes. Seu trabalho é adequado? Eles estão usando as pessoas com um estilo que seja compatível com o seu? Eu não estou dizendo para dirigir seu trabalho a eles, necessariamente, mas encontrar um ajuste adequado para você.

5. Saber vender-se a eles. Preparar um pacote com uma biografia, lista de clientes, depoimentos de clientes do mercado-alvo, por sua parte, e um press release (como em um comunicado de imprensa) sobre por que você criou o livro e como ela poderia ser apresentada ao público. Também eu sempre menciono que esta não é uma apresentação simultânea [ ou seja , menciono que estou apresentando este livro só para aquela editora] em minha carta de apresentação, cortesia (isso é comum no campo de edição), e que eu escolhi propositadamente a editora X porque eu senti que meu trabalho se encaixa bem com a seus titulos, em conceito e/ou visualmente. 

6. Se você é rejeitado ... seguir em frente. A empresa certa  está lá fora esperando por você para encontrá-lo. É normal sentir-se deprimido periodicamente (chorar um pouco também! Sim, às vezes ,parece que você não sabe o que está fazendo!). Apenas levante-se e comece a agitar novamente. 

7. Algumas poucas dicas pessoal que eu gosto de fazer quando eu apresentoo projetos ... 
-Escreva uma carta de aceitação de si mesmo dizendo o quão maravilhosos você acha que o livro é. 
-Corte uma lista dos mais vendidos em vigor a partir do jornal. Adicione o seu livro a ele. 
-Cole essas coisas em sua parede, onde você possa vê-los. 
  

How to start as an illustrator

(Publicado originalmente em 2005)
Muitas pessoas me escreveram pedindo conselhos então decidi fazer esta pequena lista. Algumas dessas coisas podem ser o óbvias, mas eu quero começar simplesmente,  para que você não fique muito sobrecarregado, com uma carga enorme de coisas para fazer. Seja gentil com você mesmo. O objetivo  no começo, é apenas começar, ir para frente  em qualquer direção é bom. Esse sentimento de realização ajuda, quando você volta do correio e se sente bem , pq enviou  algumas cartas.

1. Ir a uma biblioteca ou livraria e procure as editoras, revistas, etc., que usam  trabalhos -traços -em um estilo similar ao seu. Pegue os nomes dos diretores de arte e endereços no cabeçalho, (geralmente na página de conteúdo,index, tem o nome dos colaboradores]. Para as editoras você pode ter que fazer algumas pesquisas, olhe no começo dos livros, páginas da web, etc. SEMPRE esteja à procura de lugares onde vc poderia desenhar , restaurantes, cartazes, cartões, publicidade, murais, livros de HQ, produtos ... etc- lugares onde seu trabalho seria adequado. Vai tornar-se natural para você depois de um tempo. 
[ ela cita livros para  pesquisa no mercado norte americano ]:
Graphic Artist’s Guild
The Business of Illustration by Steven Heller
List of Research Journals, Magazines,and, U.S. and World Newspapers
Canadian Magazine Publisher’s Association


2. Depois de conseguir nomes e endereços (começar com 10 nomes ). Não sobrecarregue-se, comece com poucos! Envie-lhes amostras. Podem ser cópias coloridas (boa qualidade) ou uma peça impressa. A coisa mais importante é lembrar-se  que o seu  trabalho e as amostras devem ser adequadas à esta publicação. Notas: Se o seu trabalho parece concentrar-se principalmente em animais tente revistas e livros infantis, revistas de animais, licenciamento de produtos, etc, procure ou seja ,empresas que já publicam material semelhante ao seu. Ao enviar normalmente você deverá ter pelo menos uma resposta de 2 por cento,pelo menos (eu achava que seria 10 por cento!).
Também tente manter um estilo quando dirigir-se aos clientes, eles precisam saber  o que contratar  para  você  (você quer que eles pensem "infantil ?, ah ,eu preciso chamar a/o ... inserir o seu nome aqui")

3. Para ajudar ainda mais eu recomendo a leitura de  "Seven Steps to getting Published" [ logo acima ]- para conselhos sobre  a parte criativa.
Pesquise malas diretas promocionais e marketing para designers.
 Algumas técnicas simples de encadernação podem ser muito úteis para criação de peças promocionais únicas. [ Um bom livro para aprender a fazer isso é :fMaking Memory Books and Journals by Hand by Kristina Feliciano, Jason Thompson, and Barbara Mauriello. ] -
Leia minha  seção de dinheiro e negocios  "Como Fazer a vida fazendo o que você ama"[“How to Make a living doing what you love”] , faca um plano de negócios, começando com metas de curto prazo que vc seja capaz de fazer (tudo vai ficar pronto, vá devagar!) -Leia a seção "Art Talk"  do TheIspot- um excelente local para pegar informações de pessoas que estão no negócio por bastante tempo.

Leia  o Manifesto Incompleto do designer de Bruce Mau. Eu gosto particularmente da dica: "Não entre em competições,  não faça isso, não é bom para você." Quando li pela primeira vez este conselho fiquei atordoada, todos os meus professores na escola de arte sempre nos disseram , "Entre em  todas as competições que puder. É boa promoção, se você entrar o custo vale a pena" . No começo eu fiz isso. Eu queria tanto ganhar que eu tentei criar arte "vencedora". Era geralmente artificial e não do coração. Eu nunca entrei/ganhei . Eu acho que o que Bruce Mau estava falando era que quando você coloca algo em uma competição , você está colocando o seu trabalho em julgamento por um terceiro (neste caso, uma grande revista ou organização.), Dando-lhes a capacidade de considerar seu trabalho "bom" ou "mau". Quando você faz isso é que você está colocando outras opiniões antes de sua própria opinião. Sei que todos temos de enfrentar a rejeição  uma vez ou outra. (Você já ouviu o ditado, "se você não está sendo rejeitado você não está se esforçando o bastante.") Mas parece-me estranho  pagar alguém para julgar o seu trabalho e estas competições são bem caras.  Se você está produzindo o trabalho que te move, que vc acrecita ,ao longo do tempo você vai ser reconhecido pelos outros, mas, a) as competições não devem  ser um motivo para a criação e b) colocando a opiniaõ dos outros sobre a sua própria nos coloca em uma escala subjetiva. Crie suas próprias regras.


keri smith



Traduzi aqui os conselhos da ilustradora YUKO SHIMIZU para ilustradores iniciantes .
São perguntas e respostas super interessantes para todos nós, desenhistas e  ilustradores .
veja o trabalho dela aqui , o blog  e  o workshop em Veneza


CONSELHOS PARA JOVENS  ILUSTRADORES

Pergunta: Que  conselho você daria para um ilustrador iniciante?

Resposta:Primeiro de tudo,voce tem que  amar o que faz. Se você não estiver apaixonado pelo que faz, você nunca poderá competir em um campo onde todo mundo tem paixão .
Tenha grandes ambições  e trabalhe mais do que suas ambições.
A escola pode ser dificil, mas você vai logo perceber que tem que trabalhar muito mais no mundo real.
O tabalho duro não fica tão duro assim se você tem paixão .
Permita-se experimentar e crescer. Esteja aberto a críticas construtivas. 
Você é um artista e não um artesão , cujo trabalho é criar as mesmas coisas repetidas vezes.
Não se esqueça que você está administrando um pequeno negócio, além de ser um artista. Aprenda a ser um bom "homem de negócios". Seja agradável.
Nunca tente ser alguém que já está por aí [ ou seja, não copie o que alguém já faz]. Tênha como objetivo criar algo que ninguém nunca fez / viu.
Boa sorte!

SOBRE COMO VIVER SENDO ILUSTRADOR

Pergunta: Meus pais (ou amigos, pessoas que eu conheço) dizem que não se pode viver sendo um artista freelance e tentam me convencer a mudar de rumo. O que você acha?

Resposta : Meus pais costumavam me dizer a mesma coisa. Talvez porque há muitos filmes sobre a vida trágica de artistas como Camille Claudel ou Pollock.
Como escrevi anteriormente, só prossiga se você ama ilustração e isso é absolutamente o que você quer fazer. Este campo é preenchido por pessoas que amam o que fazem , trabalham arduamente e com foco e motivacão. Se você não é um deles, este campo não é para você.
Se seu objetivo é ficar rico, procure outra atividade. No entanto, se você se sair bem, você provavelmente vai ter uma  renda razoável .
Trabalho "Freelance" é para um tipo de personalidade. Muitas vezes você não vai saber o que estará fazendo daqui a duas semanas, ou quando você vai ter um próximo trabalho. Você precisa ter um tipo de personalidade para ser capaz de lidar com isso e se sentir bem com a incerteza. Se não, você deve procurar um emprego com salário em seu lugar. Freelancing provavelmente vai deixá-lo infeliz.
Além disso,vocie tem que estar pronto para fazer malabarismos, trabalhos para o mesmo dia, por um tempo ,até você começar a ter uma renda estável a partir da ilustração.

Pergunta: Você pode me dar algumas dicas sobre auto-promoção? Você parece ser muito boa nisso.

Resposta:Eu costumava ministrar um curso de sete semanas de auto-promoção e de negócios (Soojin Buzelli agora ensina este curso) na Escola de Artes Visuais -SVA [School of Visual Arts -NY ]. Considerando-se a quantidade de horas que eu passava ensinando esta disciplina, não é algo que eu posso escrever rapidamente em um curto paragrafo, especialmente porque a estratégia deve ser diferente de acordo com cada artista e seus interesses e objetivos.
No entanto, posso destacar alguns conselhos universais para aqueles que estão começando.

Construir um site muito bom, não obrigatoriamente com um design incrível, mas de fácil navegacão, organizado e que mostre quem você é como um artista.

Saiba como atualizar seu próprio site. Atualize o conteúdo quantas vezes você puder. O site que não é atualizado frequentemente é pior do que não ter um site ,especialmente na fase inicial de sua carreira.

Aprenda a escrever bem e-mails. Para o destinatário os e-mails muitas vezes são a primeira impressão que eles tem de você. Não seja um spam. Não seja um stalker ( ou seja, não assedie o cliente). Não escreva como se você estivesse mandando uma mensagem de texto para seu amigo.

Tenha um endereço de e-mail real. O e-mail grátis [ tipo gmail,hotmail,etc] faz com que pareça que você usa uma armadura. tenha um email@seudominio.com, você pode até mesmo redireciona-lo para a sua conta do Gmail. Pelo menos você vai parecer mais profissional para eles, os clientes.

Faça uma pesquisa sobre onde e com quem pretende trabalhar. Faça a sua própria lista de emails, visitando bancas e livrarias e anotando as informações uma a uma. O envio de cartões é uma maneira tradicional  que ainda funciona bem. 50 nomes escolhidos a dedo na sua lista funcionam muito melhor do que 5000 nomes aleatórios em uma lista que você compra.

Aqui está uma lista dos livros que você deveria ler. Embora eu recomende todos eles, o primeiro é obrigatório para novos ilustradores.
+ How To Be An Illustrator by Darrel Rees
+ Inside The Business Of Illustration by Steven Heller and Marshall Arisman  + How To Be A Graphic Designer, Without Losing Your Soul by Adrian Shaughnessy
+ It’s Not How Good You Are, It’s How Good You Want to Be by Paul Arden

Pergunta:. O que / quando foi a sua grande chance?

Resposta: Quando eu olho para trás, aconteceram vários momentos em minha carreira que levaram a algo maior. O primeiro trabalho após seis meses de envio dos cartoes promocionais, a primeira revista que me deu uma pagina e isso gerou trabalho para mais duas revistas, uma capa de jornal que me deu muita exposição, ou a primeira campanha publicitária que chamou a atenção da imprensa, etc, etc .. Mas, novamente, não houve uma ruptura grande,um grande momento , e estou extremamente feliz com isso.
Muitas vezes as pessoas acham que o sucesso acontece com as pessoas do dia para a noite , mas não. É apenas um acúmulo de trabalho , um após o outro, onde você tenta fazer o seu melhor a cada vez. Em alguns você tem mais exposição do que os outros. Isso é tudo. Não há atalhos na vida. Vá devagar, uma tarefa de cada vez.
Se, algo acontece com você do dia para a noite, fique atento. O que acontece muito rapidamente, tende a acabar rapidamente. Se você sentir que as coisas estão avançando muito lentamente, demais até, provavelmente você está no caminho certo.

Pergunta: Você sugere que eu trabalhe em um estúdio ao invés de trabalhar em casa?

Resposta: É uma questão de preferência. Algumas pessoas gostam de apenas acordar, tomar um café e começar a trabalhar de  pijama. Algumas pessoas gostam de ter uma separação clara entre trabalho e vida pessoal. Eu sou o último.
Eu gosto de me vestir, pegar o metrô e ir para o meu escritório todas as manhãs. Eu gosto de relaxar e nunca me preocupar com e-mail quando estou em casa (eu ainda não tenho internet lá). Acima de tudo, eu gosto de interação com as pessoas no trabalho, sejam eles meus companheiros de estúdio ou vizinhos que estão na indústria de design .
A ilustração é um trabalho solitário. Você pode passar horas, ou dias seguidos apenas olhando para a sua mesa de desenho. Por que não ter um pouco de estímulo e distração de pessoas que trabalham ao seu redor? E obter ou dar conselhos?
Se você estiver pensando de começar um estúdio, este é o meu conselho;
Encontrar companheiros de estúdio com quem você realmente se dá bem, e que nunca serão seus concorrentes diretos, e com os quais você vai ficar feliz pelo sucesso e que eles vão sentir o mesmo por você.
O trabalho pode ser estressante. A última coisa que você pode querer é que o seu estúdio se transforme em outra causa de dor de cabeça.

SOBRE MATERIAIS, TÉCNICAS E ESTiLO

Pergunta:  Como é que surgiu seu estilo pessoal em seu trabalho? Eu estou tentando descobrir meu próprio estilo, como faço?

Resposta: As pessoas sempre dizem que meu trabalho tem um estilo ,uma aparência distinta, por isso suponho que tenha. É extremamente difícil de ver meu trabalho a partir do ponto de vista da terceira pessoa. Mas posso dizer o seguinte: o meu trabalho aparece de certa maneira, apenas porque esta é a maneira que eu penso, e porque eu sou quem eu sou e isso é algo que não posso mudar.
Eu realmente não acredito na palavra "estilo". Porém acredito totalmente e profundamente em "voz pessoal", que eu aprendi estudando em professores com a mesma crença: Marshall Arisman, Thomas Woodruff, Mirko Ilic, David Sandlin e Marilyn Minter para citar alguns.
Costumo atender jovens ilustradores que estão lutando para tentar "encontrar" o seu estilo. Meu conselho é: estilo não é algo que você pode forçar-se a "procurar" ou "encontrar". Você é você, diferente de todo mundo, e sua voz pessoal já deve estar dentro de você. Aprenda a deixar que ela apareça em seu trabalho.
Eu cresci no Japão na década de 1960 e 70, com histórias em quadrinhos e desenhos animados. Eu, naturalmente, comecei a desenhar imitando-os. Eu parei de ler quadrinhos e assistiro anime lá pelo início dos anos 80, mas eu não era mais capaz de me livrar das minhas primeiras influências e realmente odiava isso.
Depois me mudei para Nova York e comecei a escola de arte, meu objetivo inicial era aprender a desenhar e pintar "como um americano". Não demorou muito para perceber que isto nnao ia funcionar. Eu não pinto, ou uso as cores como os americanos, entre outras coisas. Meus professores me ajudaram a perceber que é OK ser uma japonêsa cujo trabalho tem influências na minha própria cultura popular.
Naturalmente, o processo não foi fácil como parece aqui. Levei um longo tempo para eu aprender a não odiar o meu trabalho.
Então, mais útil do que encontrar um estilo enigmático superficial é que você sai para uma busca da alma, embora eu não esteja tentando parecer new age nesta reflexão .

Pergunta: Qual é a sua técnica?

Resposta: Eu desenho com pincéis de caligrafia japonesa e tinta nanquim (Dr. Ph. Martin black star matte) em papel de aguarela. Digitalizo o desenho e coloco as cores e imagens finais com o Photoshop.
Frequentemente atualizo meu blog com postagens sobre o processo de trabalho de ilustração, que pode ser interessante para quem está curioso sobre esse processo.
Pergunta: Você pode me mostrar como você trabalha no Photoshop?

Resposta: Eu não ensino a minha técnica. A principal razão é porque eu aprendi habilidades diferentes ao longo dos anos principalmente por estudar vários trabalhos favoritos, tentar descobrir como os artistas os criaram, e depois experimentar com a minha própria teoria.
O jeito que eu descobri provavelmente não foi nem de perto como os artistas realmente os fizeram. Algumas vezes consegui , outras  não, mas, de qualquer jeito, eu aprendi muito. Eu valorizo essa experiência e uso isso como minha filosofia de ensino.
No entanto, se você é um novato e quer aprender como o Photoshop trabalha, o melhor caminho é perguntar aos amigos que conhecem um pouco mais que você, assim você pode adquirir o básico. E o resto, você pode brincar e descobrir o seu próprio caminho.
Quando eu não tinha idéia de como usar o Photoshop, o meus colegas de classe  Olivier Kugler e Nathan Fox me ensinaram o básico, com alguma ajuda do meu colega de quarto, James Jean.
Eu ainda ensino para meus alunos o básico do Photoshop, mas isso não é algo que você precisa saber de mim.

Pergunta: E quanto as texturas em suas imagens?

Resposta: Uma coisa que eu posso dizer é que qualquer que seja a textura que você vê no meu trabalho é feito à mão, e não feito no computador.
Meu conselho para o colorista digital é, nunca use filtros com exceção talvez ocasionalmente filtros de meio- tom. Filtros fazem seu trabalho ficar feio.
É com as mãos que se deve criar suas imagens, e não o computador. Computador é apenas mais uma ferramenta. Use-o bem. Não seja usado por ele. Se você quiser texturas, experimentar tudo e qualquer coisa que você possa pensar. Você vai logo descobrir o que funciona para você.

Pergunta: Parece que todo mundo está migrando para o computador. Devo abandonar minha pintura e pincéis e ser um ilustrador digital?

Resposta: Absolutamente não! Não caia em tendências e novidades. Seja fiel a si mesmo e quem você é como um artista. Se você odeia pintura e ama computador, bem-vindo ao mundo da arte digital. Mas se você ama os métodos de pintura tradicionais, por que abandoná-los?
O lendário designer Paul Rand disse certa vez: "O que é novo não tem nada a ver com o que é bom. O que é bom é atemporal". Se você é um bom artista tradicional e gosta disso, não há razão para que você mude para o que você realmente não ama.
Você se sente como se estivesse fora de moda? Você vive no século 21, expresse o seu tempo do seu jeito. Aprenda com as pessoas como Sam Weber, James Jean, Hellovon ou Blagden James.
Porque leva muito tempo[ com os métodos tradicionais  de pintura ]? Você precisa ser mais rápido. Shawn Barber usa tintas a óleo e terminar um retrato em menos de um dia. Chris Buzelli sabe todos os truques simples para fazer suas pinturas secarem rápido. Olhe para trabalho realista e detalhado de Tim O'Brien, e veja quantas ilustraçoes ele faz por ano.
Eu uso o que eu uso, porque eu não posso pensar de outra maneira. Eu tentei ser uma pintora (eu ainda pinto OK), e logo percebi que eu penso em linhas e cores planas, não em outras formas. Eu posso desenhar linhas e padrões para sempre e me sentir meditando. Pintura me frustra e fico pensando em quantas horas mais eu tenho que sentar na frente de um cavalete. Não é para mim.
Muitas vezes as pessoas pensam que tenho uma influência de quadrinhos e ousadia japonesa que são considerados modernos. mas cresci no Japão e comecei a desenhar imitando quadrinhos que lia. Esta sou eu send eu mesma. Você não pode esperar que eu desenhe e pinte como os americanos, ou qualquer outra pessoa.
Você só precisa ser fiel ao que ama. Tendências vêm e vão. Você não vem e vai. Então, seja você mesmo.

Pergunta: Então, há materiais que eu deveria ou não usar?

Resposta: Na classe de segundo ano eu proibo a utilização de certos materiais. Eu estou ensinando os alunos da próxima geração de ilustradores. Eu acredito que é o meu trabalho expor os materiais reais de arte, fazê-los experimentar tudo o que podem  enquanto estão na escola para que eles possam, eventualmente, buscar um material (ou alguns) e que possam explicar por que este material  funciona para elas.
Primeiro de tudo, eu os proibi de usar o computador. Por quê? Ser exposto ao computador logo  no estágio inicial do processo irá impedi-lo de se tornar um verdadeiro artista.
Leva anos para aprender a desenhar e pintar. Você pode aprender a usar o Photoshop básico em um dia, se você já sabe como desenhar, pintar, misturar cores e fazer boas composições. Computador não vai transformá-lo em um bom artista. É importante "usar as mãos" para aprender antes de passar para a arte digital.
Eu também os proibo de usar um jeito fácil, quando é o substituto do material de verdade.
Muitos estudantes o amam as canetas Microns. Não tenho nada contra a Micron  para fazer esboços rápidos, para carregar com você quando você viajar , se desloca. usá-los. Sou contra aqueles que pensam Micron pode ser um meio/material de verdade. Não é.
Micron é um irmão falso de Rapidograph, Rotring e canetas de nanquim. Esferográficas são para escrever, não para o desenho. Os marcadores são a versão de brinquedo de aquarelas. Lapis de cera são tons pastéis para crianças do jardim de infância. Lápis de cor não são feitas para a superfície de cor maior que 1square centímetros. Estes médiuns fazem de você um artista preguiçoso.
Rapidograph, pena, aquarelas, pastel, etc, são difíceis de usar e leva um longo tempo para aprender a ser bom. Mas quando os domina, eles permitem que você faça 100X mais do que o  meios baratos falsos te possibilitam.
Quando você está na escola, você pode e deve cometer erros. Você aprende errando e se torna um artista melhor. No mundo real, você não pode cometer erros ou vai perder um cliente para sempre.
Eu não estou tentando ser má ou dura com eles. Meu trabalho como professora é fazer com que meus alunos cometam erros e aprendam enquanto puderem.
Se eles aprenderem o  método, o material de verdade,  real e no final chegarem a uma conclusão de que uma caneta esferográfica é o único meio que funciona para eles, então eu fico feliz por eles, de verdade. (E, eu adoro o trabalho de Hope Gangloff.)

EDUCAÇÃO DE UM ILUSTRADOR

* Observe que as seguintes respostas são baseadas na minha opinião pessoal e não refletem os das escolas que eu ensinei, frequentei ou visitei.

Pergunta: Sou autodidata e nunca freqüentei escola de arte. Isso será um problema se eu me tornar um ilustrador profissional?

Resposta: Nunca tive que mostrar meu currículo ou diploma para um cliente me pedindo um trabalho. Ilustradores conseguem trabalho por causa do nosso portfolio e não por causa do nosso currículo.
Não importa se você tem doutorado ou se você abandonou o ensino médio. O que importa é o seu trabalho.
Há alguns anos fui convidado a julgar a competição anual da Art Directors Club, um dos mais prestigiados na indústria de design. Chuck Anderson, que julgou comigo tinha 19 anos e já tinha muita experiência. Será que ele precisa voltar para a escola de arte? A resposta é óbvia.
Dito isto, eu voltei para a escola e tenho a educação artística formal. E eu fiz isso mais de 10 anos depois de terminar a minha graduação em marketing. Eu não tinha confiança no meu trabalho na época. Sempre que eu encontrava alguém que tinha se formado em arte , eu me senti inferior. A única maneira de superar o meu medo seria voltar para a escola de arte. Eu aprendi muito. Eu adorei. É por causa dessa experiência que agora eu posso trabalhar como ilustradora freelancer. Foi uma das melhores decisões que já tomei.
Se você precisa de uma educação artística formal ou não, é você quem sabe a resposta.

Pergunta: Você  participou da School of Visual Arts MFA Visual Essay Program. Ouço tantas coisas boas sobre o programa. Recomendaria me candidatar?

Resposta: Foram os dois melhores anos dos meus estudos, e tenho certeza que você vai aproveitar a experiência também. No entanto, tenho algums conselhos aconselhar para aqueles que estão pensando em seguir MFA em ilustração.
Se você ainda está na faculdade, pense por que você precisa ir direto para a pós-graduação agora. As possibilidades são:você está com medo de sair da escola e a sensação de mais dois anos na escola, fariam você ganhar tempo.
Se é a primeira vez que você sai da faculdade, confie em mim, a melhor educação que você pode ter é  sair para o mundo real. Se você começar a ter trabalhos e se sair bem como ilustrador, você realmente precisa voltar à escola?
Se você decidir, depois de alguns anos já fora da escola, que você pode usar esse dois anos bem, volte para a escola. Você irá apreciar a experiência 10 vezes mais.
Consulte sua situação financeira. Por favor, tenham a cabeça no lugar  e tomar uma decisão de financeira correta. A última coisa que eu quero ver é um jovem artista em uma dívida enorme.
Por favor, não pense no MFA como um passaporte para o sucesso instantâneo em ilustração.
A SVA MFA em Ilustração tem grande reputação, graças aos muitos alunos que estão trabalhando em diferentes áreas de ilustração. Estou extremamente orgulhoso de fazer parte do seus "ex-alunos.
Mas ainda somos freelancers, e não é o MFA que está fazendo os ex-alunos bem sucedidos. É cada um com seu trabalho árduo durante e após o ciclo de dois anos. Ao contrário de MBA de Harvard, ele não garante nada. Você ainda tem que cultivar a sua carreira sozinho.
Por favor, não espere para os instrutores para segurar sua mão e guiá-lo como seus estudos. Esteja pronto para dois anos de programação aberta onde você pode construir seus próprios projetos, onde os professores estão lá para ajudá-lo. Se você estiver pronto para isso, você terá um tempo incrível.
estou te  desanimando? Espero que não.
Novamente, foi a melhor educação que eu já tive. Eu recomendo a todos. Mas quero que você faça no momento certo, quando estiver pronto para realmente apreciar esta experiência única em educação de dois anos .
Boa sorte!

Pergunta: Você dá cursos de ilustração ?

Resposta: eu dou uma aula do segundo ano (princípios da Ilustração) e na classe Senior Portfolio Escola de Artes Visuais - SVA. A classe está aberto apenas para estudantes de tempo integral e limitada a cerca de 15 alunos. Eu não estou ensinando atualmente no departamento de educação continuada que está aberto ao público em geral.
NOVO: comecei a ensinar na TutorMill, um site de ilustração tutorial on-line. Para interessados e motivados, independentemente de onde você mora, você pode ter aulas comigo e mais um instrutor de sua escolha, desde que tenha vagas em meu curso.
Durante o verão, dou alguns workshops no exterior,como um workshop de uma semana em Veneza, Itália.
Ministrei tambem um workshop em Xalapa, no México  em 2010.
Para workshops e palestras especiais consulte meu site.
 VEJA FOTOS DO CURSO EM VENEZA

Pergunta:  Pode vir visitar a nossa escola ou  organizar uma conferência ou workshop?

Resposta: Eu tento ao maximo  fazer visitas a escolas / organizações relacionadas com a ilustração. Eu, pessoalmente, adoro ir para cidades / países diferentes, e conhecer ilustradores, alunos e professores. É quase como o meu "hobby" e uma maneira me reciclar e me inspirar.
Se a sua escola / organização está interessado, contacte-me com a maior antecedência possível. Eu costumo fazer até 4-6 visitas escolares por ano lectivo, e alguns workshops no exterior após o ano letivo  nos EUA termina em abril.
Mesmo que sua escola esteja localizada fora dos EUA e não tenha orçamento para me trazer, não hesite em me contactar e me informar sobre seu interesse. Eu viajo muito, especialmente pela Europa, e de repente posso ser capaz de passar por aí quando estiver perto de você.

PERGUNTAS DE ESTUDANTES 

Pergunta: Você pode olhar o meu trabalho / site? Você pode me dar algum feedback?

Resposta: Recebo muitos pedidos semelhantes, muitas vezes e, infelizmente, raramente tenho tempo para responder. Agora, com TutorMill novo, tenho muitos mais alunos pelos quais eu sou para responsavel. Portanto, eu não posso responder à sua solicitação. Obrigada pela compreensão.

SOBRE VIVER E TRABALHAR EM NOVA YORK

Pergunta: Você vive e trabalha em Nova York, e assim como muitos outros ilustradores. Você acha que eu deveria mudar para Nova York para iniciar ou desenvolver a minha carreira?

Resposta:Nova York tem mais editoras, estúdios de design, agências de publicidade, etc do que qualquer outra cidade os EUA, e provavelmente mais do que qualquer outra cidade do mundo.
Viver em NY, provavelmente lhe dara mais chances de se encontrar com possíveis futuros clientes, fácil acesso a deixar seus portfolio [ portfolio drop-off ], ir às reuniões, pegar e deixar materiais de referência ou roteiros e briefings. Meu estúdio está a 5 minutos a pé do NY Times e da Conde Nast, entre outros clientes.  Um acesso muito fácil.
Quando eu comecei ,a não muito tempo atrás, quando o FTP não era comum, vc podia enviar e-mails com arquivos de até 2MB no maximo, eu costumava visitar muito meus clientes, para deixar CDs com imagens finais ou para pegar layouts. Agora, meus clientes raramente chegam a me encontrar. Tudo é por email.
Uma coisa legal sobre este trabalho é que tudo que você precisa é: seus materiais artísticos, acesso à Internet e um telefone celular. Eu tenho amigos que moram em Nova York, mas passam muito tempo no Havaí. Os clientes acham que eles são madrugadores, porque enviam e-mails 5 da manhã.
Sim, viver aqui pode ajudar você, especialmente quando você está começando, mas, novamente, você pode trabalhar em qualquer lugar e não há realmente nenhuma necessidade de você viver aqui.
Mas, se você se mudar para esta cidade , você tem muita sorte se encontrar um studio do tamanho de  uma caixa de sapato abaixo de US $ 1.800. É uma cidade onde todos se movem na velocidade da luz, muito ocupados para serem amigáveis com você, no verão o  calor infernal , o inverno é super severo, e a renda de classe média alta vai fazer você sentir como se estivesse à beira da pobreza.
Bem, eu pessoalmente não trocaria o meu pequeno apartamento em Manhattan e meu estúdio por qualquer mansão em outra cidade.
Nova York é uma cidade para pessoas que têm ambições e ética de trabalho para tentar alcançar seu sonho. Eles vêm de todo o mundo com suas esperanças e sonhos. Quase todos os dias, eu encontro pessoas interessantes que me estimulam e me inspiram, e me fazem querer trabalhar mais e experimentar coisas novas. Esta energia esta aqui como em nenhum outro lugar.
Se você está pronto  e procurando por isso, Nova Yorque é para você.

Ella

Ella Fitzgerald - uma diva do jazz te espera nas bancas!  Texto do jornalista e musicólogo  Carlos Calado , gravação da Verve ilustração ...